Me adentro esta vez en el mundo de los niños para ofreceros mi último trabajo en el campo de la publicidad. La marca "Bonet a Pompon" ha utilizado mi música original para su comercial para la temporada 2015-2016.
jueves, 24 de diciembre de 2015
martes, 19 de mayo de 2015
Dos vídeos publicitarios
En esta ocasión cuelgo dos nuevos vídeos realizados entre finales de 2014 y principios de 2015.Se trata de un vídeo promocional para el escultor madrileño Fernando Aggaro y un documental para el AMTA, la Agencia Madrileña para la Tutela de Adultos. Dos músicas completamente distintas estética y funcionalmente hablando.
El primero de ellos, el vídeo promocional de Aggaro, demandaba una música "ambient", sin otro propósito que el de ofrecer un espacio sonoro suave y agradable. El vídeo expone una serie de obras y premisas estéticas del artista de una manera creativa.
Para el documental de AMTA incluí música sólo en momentos puntuales, entre las entrevistas y al final, con el fin de dar continuidad al metraje. La música es pretendidamente emotiva para aludir a la empatía del espectador.
Dos músicas distintas para dos géneros claramente diferenciados que están disponibles para su escucha independiente en la pestaña "Audios".
El primero de ellos, el vídeo promocional de Aggaro, demandaba una música "ambient", sin otro propósito que el de ofrecer un espacio sonoro suave y agradable. El vídeo expone una serie de obras y premisas estéticas del artista de una manera creativa.
Para el documental de AMTA incluí música sólo en momentos puntuales, entre las entrevistas y al final, con el fin de dar continuidad al metraje. La música es pretendidamente emotiva para aludir a la empatía del espectador.
Dos músicas distintas para dos géneros claramente diferenciados que están disponibles para su escucha independiente en la pestaña "Audios".
jueves, 18 de diciembre de 2014
Presentación del libro "C.I.N.E.M.A."
El pasado noviembre por fin vio la luz un proyecto que había comenzado ya en 2007. Se trata del libro "C.I.N.E.M.A. Composición e Investigación en la Música Audiovisual", coescrito por mí y siete autores más, a saber: Alejandro Román, Juan Antonio César, Juan Manuel Conejo, Carlos Martínez de Ibarreta, María Cristina Pascual, Marcos Ortiz y José Luis Centeno.
Se trata de una recopilación de los mejores trabajos de investigación escritos para especialidad ya extinta de "Composición para Medios Audiovisuales" del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Dichos trabajos fueron extractados por sus propios autores y convertidos en artículos de no más de 60 páginas.
A parte de ser el autor de dos de los artículos recogidos en el libro, Alejandro Román es el editor del volumen y también el profesor tutor de los trabajos de investigación que se hicieron entre 2007 y 2009.
Mi trabajo en concreto trata el tema de la música en el cine de ciencia ficción, estudiando los distintos símbolos musicales que aparecen en la mayoría de los filmes de este género.
Ayer, día 17 de diciembre de 2014, una representación de los autores presentamos el libro en la biblioteca del RCSMM. El libro está a la venta tanto en formato físico como digital en los principales puntos de venta, ya sea en tiendas como en la web. Adjunto algún enlace a estas páginas.
Enlace a la editorial Visión Libros
Amazon España
Google Books
Fnac
Librería El Argonauta (Madrid)
sábado, 20 de septiembre de 2014
El corto "El Quinto Mandamiento"
En esta ocasión cuelgo el enlace al último corto para el cual he compuesto la música. Se trata de "El Quinto Mandamiento", co-dirigido por Julio de la Fuente y Francisco Solís, y estrenado en junio de este año en el teatro Filarmónica de Oviedo.
Se trata de una denuncia contra la derogación de la "Doctrina Parot" a través de la historia de un hombre que pierde a su familia.
Fuera de moralinas y mensajes más o menos polémicos, el corto me ofreció la oportunidad de explorar un registro musical profundamente trágico en el que decidí incluir un cello solista real, mi amigo Sergio Méndez, a una base sintética de cuerdas y piano. Aquí está el resultado para que lo juzguéis y lo valoréis.
"El Quinto Mandamiento" en el FIBABC
miércoles, 6 de agosto de 2014
Miguel Prida en IMDb
Por fin cuento ya con una mención en la Internet Movie Data Base (IMDb). Para ver mi perfil sólo hay que hacer click en el siguiente enlace:
Miguel Prida en IMDb
Miguel Prida en IMDb
martes, 15 de julio de 2014
"Para T" en el Woodwind Festival de Singapur
Una vez más, el flautista Roberto Álvarez nos ha dejado una excelente y muy personal interpretación de una de mis obras. En esta ocasión ha sido "Para T", obra dedicada a la también flautista Teresa Reibelo; obra de juventud podríamos llamarla, ya que fue compuesta en mis años de estudiante del Real Conservatorio de Música de Madrid.
La pianista Beatrice Lin asume el reto de Roberto de tomar unos tempi realmente ligeros, vertiginosos en algunas ocasiones, lo que convierte algunos pasajes, tanto de la flauta como del piano, en puro virtuosismo.
Ya he hablado de esta obra en entradas anteriores pero recordaré lo fundamental. Se estructura en dos movimientos, lento-cantabile y rápido-rítmico, que se suceden sin solución de continuidad. El uso de la modalidad en un estilo cercano a Gabriel Faure impregna toda la obra.
Enlace a la web de Roberto Álvarez
La pianista Beatrice Lin asume el reto de Roberto de tomar unos tempi realmente ligeros, vertiginosos en algunas ocasiones, lo que convierte algunos pasajes, tanto de la flauta como del piano, en puro virtuosismo.
Ya he hablado de esta obra en entradas anteriores pero recordaré lo fundamental. Se estructura en dos movimientos, lento-cantabile y rápido-rítmico, que se suceden sin solución de continuidad. El uso de la modalidad en un estilo cercano a Gabriel Faure impregna toda la obra.
Enlace a la web de Roberto Álvarez
martes, 19 de noviembre de 2013
Música para una marca
En esta ocasión comparto con vosotros la música que he compuesto para un vídeo, encargo de la marca Loewe, que está siendo exhibido en la Galería Loewe de Madrid.
Las imágenes son obra del estudio de Manolo Yllera, reconocido fotógrafo madrileño, el cual me encargó la composición de una pieza que determinaría la estructura del montaje. En este sentido, la composición se realizó en términos prácticamente libres, a excepción hecha del estilo, afrancesado y un punto minimalista.
Acabo de descubrir con agrado que el vídeo ya está colgado en el canal de Youtube de Loewe, así como en su página de Facebook. Espero que os guste.
Las imágenes son obra del estudio de Manolo Yllera, reconocido fotógrafo madrileño, el cual me encargó la composición de una pieza que determinaría la estructura del montaje. En este sentido, la composición se realizó en términos prácticamente libres, a excepción hecha del estilo, afrancesado y un punto minimalista.
Acabo de descubrir con agrado que el vídeo ya está colgado en el canal de Youtube de Loewe, así como en su página de Facebook. Espero que os guste.
viernes, 25 de octubre de 2013
Passio Sensatio Motus
El pasado 7 de octubre tuve el privilegio de presentar al público australiano una obra para piccolo y piano. Se trata de mi última obra, "Passio Sensatio Motus" ("Pasión, sensación, movimiento"), escrita para mi buen amigo Roberto Álvarez.
Ya he hablado anteriormente de él, pero lo volveré a repetir: Roberto Álvarez es Piccolo Solista y tercer flautista de la Orquesta Sinfónica de Singapur, aparte de un excelente profesor. Ha sido invitado a participar como piccolista y flautista en el Festival de Flautas de Camberra (Australia), celebrado a principios de este mes. En tres días ofreció cuatro recitales y tres masterclasses, y participó como tribunal en dos concursos. No contento con ésto, uno de sus alumnos ganó el segundo premio en el Concurso para Jóvenes Artistas del Festival.
"Passio Sensatio Motus" fue un encargo de Roberto en su encomiable labor de difusión de la música contemporánea y fue interpretada junto con otros estrenos absolutos, "Escenas de la vida de Poulenc" de Eduardo Costa y "Homage to Poulenc" de Jorge Muñiz, así como el estreno en Australia de la "Sonata nº1 para flauta y piano" de Elisenda Fábregas y dos obras más de Salvador Espasa. Una buena muestra de música contemporánea española.
La obra se estructura en tres movimientos con un propósito cíclico, en el que un tema principal aparece a lo largo de todos ellos.
"Animae Motus" ("El movimiento del alma") responde a una estructura de allegro sonata en la que se ha sustituido el desarrollo por una breve transición, pero que intenta sorprender con una falsa reexposición y un desarrollo dentro de ella; tiene además introducción y epílogo que aporta a la estructura un aire de simetría.
"Collage: momentum interruptum" ("Collage: movimiento interrumpido") es una especie de scherzo en el que se juega con tres citas musicales, tres famosos solos de piccolo: el principio del "Concierto para piano en sol mayor" de Ravel, el solo de piccolo del cuarto movimiento de la "Sinfonía nº9" de Beethoven y el solo de piccolo de la "Star Wars Overture" de John Williams, que es a su vez el tema cíclico pero que sólo suena de manera explícita al final de este movimiento.
Finalmente, "Phrenetica Passio" ("Pasión desenfrenada") es un rondó en el que se presentan de nuevo tanto el tema cíclico como el primer tema de "Animae Motus".
Cada movimiento alude a los "afectos", a las emociones suscitadas a través de una armonía más o menos disonante pero siempre colorista y un vigor rítmico casi omnipresente. He procurado, como viene siendo habitual, jugar con procedimientos musicales que no había utilizado antes (poliacordes, polimodos y polirritmias) así como con otros más familiares para mí (armonías por cuartas y modos naturales y artificiales).
He de agradecer tanto a Roberto Álvarez como a Alan Hicks la espléndida interpretación que ofrecieron en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Camberra a un público entregado a la nueva creación. Todo un lujo para mí.
Web de Roberto Álvarez
Ya he hablado anteriormente de él, pero lo volveré a repetir: Roberto Álvarez es Piccolo Solista y tercer flautista de la Orquesta Sinfónica de Singapur, aparte de un excelente profesor. Ha sido invitado a participar como piccolista y flautista en el Festival de Flautas de Camberra (Australia), celebrado a principios de este mes. En tres días ofreció cuatro recitales y tres masterclasses, y participó como tribunal en dos concursos. No contento con ésto, uno de sus alumnos ganó el segundo premio en el Concurso para Jóvenes Artistas del Festival.
"Passio Sensatio Motus" fue un encargo de Roberto en su encomiable labor de difusión de la música contemporánea y fue interpretada junto con otros estrenos absolutos, "Escenas de la vida de Poulenc" de Eduardo Costa y "Homage to Poulenc" de Jorge Muñiz, así como el estreno en Australia de la "Sonata nº1 para flauta y piano" de Elisenda Fábregas y dos obras más de Salvador Espasa. Una buena muestra de música contemporánea española.
La obra se estructura en tres movimientos con un propósito cíclico, en el que un tema principal aparece a lo largo de todos ellos.
"Animae Motus" ("El movimiento del alma") responde a una estructura de allegro sonata en la que se ha sustituido el desarrollo por una breve transición, pero que intenta sorprender con una falsa reexposición y un desarrollo dentro de ella; tiene además introducción y epílogo que aporta a la estructura un aire de simetría.
"Collage: momentum interruptum" ("Collage: movimiento interrumpido") es una especie de scherzo en el que se juega con tres citas musicales, tres famosos solos de piccolo: el principio del "Concierto para piano en sol mayor" de Ravel, el solo de piccolo del cuarto movimiento de la "Sinfonía nº9" de Beethoven y el solo de piccolo de la "Star Wars Overture" de John Williams, que es a su vez el tema cíclico pero que sólo suena de manera explícita al final de este movimiento.
Finalmente, "Phrenetica Passio" ("Pasión desenfrenada") es un rondó en el que se presentan de nuevo tanto el tema cíclico como el primer tema de "Animae Motus".
Cada movimiento alude a los "afectos", a las emociones suscitadas a través de una armonía más o menos disonante pero siempre colorista y un vigor rítmico casi omnipresente. He procurado, como viene siendo habitual, jugar con procedimientos musicales que no había utilizado antes (poliacordes, polimodos y polirritmias) así como con otros más familiares para mí (armonías por cuartas y modos naturales y artificiales).
He de agradecer tanto a Roberto Álvarez como a Alan Hicks la espléndida interpretación que ofrecieron en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Camberra a un público entregado a la nueva creación. Todo un lujo para mí.
Web de Roberto Álvarez
viernes, 2 de agosto de 2013
La realización de un "Jingle"
En abril de 2013 se me encargó la composición de un "Jingle" para un programa de televisión que finalmente no vio la luz.
Para quien no lo sepa, un "Jingle" es una pieza breve de música que aparece al comienzo de un programa, anuncio o serie televisivos. Además de cumplir una función meramente musical, el "Jingle" le aporta al programa una identidad, un carácter, de la misma manera que una obertura pero con una duración mucho menor.
En el proceso de composición surgieron varias versiones, algunas muy parecidas entre sí y otras bastante diferenciadas. Comparto con vosotros sólo dos versiones pero no diré para qué tipo de programa estaban destinadas; eso me gustaría que lo decidiéseis vosotros.
¿Es más enérgica la primera o la segunda? ¿Es un programa o una serie? ¿Qué tipo de serie o programa? ¿Parece destinado a un público joven o más maduro? Dejad vuestros comentarios.
Para quien no lo sepa, un "Jingle" es una pieza breve de música que aparece al comienzo de un programa, anuncio o serie televisivos. Además de cumplir una función meramente musical, el "Jingle" le aporta al programa una identidad, un carácter, de la misma manera que una obertura pero con una duración mucho menor.
En el proceso de composición surgieron varias versiones, algunas muy parecidas entre sí y otras bastante diferenciadas. Comparto con vosotros sólo dos versiones pero no diré para qué tipo de programa estaban destinadas; eso me gustaría que lo decidiéseis vosotros.
¿Es más enérgica la primera o la segunda? ¿Es un programa o una serie? ¿Qué tipo de serie o programa? ¿Parece destinado a un público joven o más maduro? Dejad vuestros comentarios.
sábado, 16 de marzo de 2013
Dos nuevos cortos para el "Notodofilmfest"
De nuevo en colaboración con la guionista y cineasta Ana Puentes, hemos presentado dos nuevos cortos al festival online "Notodofilmfest". Se trata de "Segundos" y "Hope", dos pequeñas piezas de tres minutos cada una que exploran lo emocional.
miércoles, 20 de febrero de 2013
El día en que las orquestas desaparecerán del mundo del cine
Desde hace unos 60 años los ingenieros de sonido no han cejado en su empeño de sustituir los instrumentos musicales por aparator electrónicos que los emulen. Ya en la década de 1950 aparece el primer dispositivo considerado precursor de los "samplers", esos aparatos capaces de grabar un sonido (también llamada "muestra") y reproducirlo a todas las frecuencias audibles e inaudibles. El primer sampler, el "melotrón" fue una revolución, sobre todo en el mundo de la música electrónica y experimental, pero estaba muy lejos de poder competir con el instrumento al que emulaba: cuanto más se alejaba la muestra de la frecuencia original más artificial resultaba al oído. Además, se descubrió con ello que los "ruidos" inherentes a la forma de tocar el instrumento (la fricción del aire en tubo y boquilla, en los aerófonos, por poner un ejemplo) son parte esencial de su sonido, si bien no lo son de su timbre.
Con el avance tecnológico en lo que a soportes de almacenamiento digital se refiere, algunas marcas como Yamaha desarrollaron allá por la década de 1990 las primeras "librerías de sonido", es decir, grabaciones sistemáticas de sonidos de instrumentos nota a nota, que se dispararían con un interfaz controlador MIDI que podía tener teclado incorporado o ser un módulo exento. Se ganó significativamente en realismo al estar tomadas del original todas las frecuencias. Ese efecto "pitufo" en los agudos y de "pilas gastadas" en los graves había pasado a la historia... siempre y cuando se dispusiese de varios cientos de miles de pesetas.
El siguiente paso fue el mapeo en dos dimensiones, en el que no sólo se sampleaban las distintas alturas sino que se tomaban muestras distintas para cada matiz.
Poco a poco las librerías fueron abandonando el mundo del hardware y pasaron a funcionar exclusivamente por software, de manera que los instrumentos físicos pasaron a ser innecesarios. Hoy en día los músicos que utilizamos estos recursos disponemos de un teclado controlador MIDI que no tiene sonido propio, simplemente envía la información digital necesaria: note on, note off, velocity y a veces también valores de controladores como el bend, modulation y otros. El sonido es programable y automatizable en todos sus parámetros.
Es comprensible que cuanto mayor sea el número de muestras de una librería tanto mayor será su tamaño y más recursos consumirá durante su uso. La llegada de los sistemas operativos de 64bits así como el aumento de memoria RAM en los equipos modernos ha marcado el paso decisivo para el florecimiento de estas librerías.
Desde hace unos pocos años, desarrolladores como Eastwest, Native Instruments, Vir2, Cinesamples y otros están creando librerías especializadas en instrumentos concretos, de manera que se pueden encontrar por separado cuerdas, metales, maderas, percusión y coros, o incluso instrumentos solistas. El gran avance radica en la programación especial que algunas librerías tienen: pueden escogerse sobre la marcha las distintas articulaciones y recursos instrumentales y, lo que es más importante, el legato está cada vez más conseguido. Han pasado a ser auténticos instrumentos virtuales.
Como muestra de todo lo dicho, he recreado el inicio de "Así habló Zarathustra" de Richard Strauss. En muchos aspectos es mejorable pero sirve de ejemplo.
En realidad, esta entrada no pretende ensalzar las bondades de las nuevas tecnologías, que por supuesto las tiene, sino plantear un dilema moral, estético y artístico: ¿qué sentido tiene sustituir algo real por algo artificial?
Cada vez son más las películas cuya música está íntegramente hecha por ordenador y los músicos de sesión le están viendo las orejas al lobo incluso en Hollywood. Hans Zimmer, por ejemplo, es uno de los compositores que más ha recurrido al ordenador en películas como Gladiator (2000), Piratas del Caribe (2003), Batman Begins (2005) y Origen (2010). Cualquiera que tenga el oído educado en la música sinfónica puede darse cuenta del efecto artificial que poseen. Sin embargo, hay multitud de trucos para maquillar estos defectos. El primero es el de recurrir a músicos reales cuando se trata de voces o instrumentos solistas. El segundo, y con diferencia el más grave, es utilizar las librerías de manera que la música compuesta explote sus mejores recursos; esto supone que la música se ve condicionada por la tecnología cuando, por ejemplo, se hace un abusivo uso de las articulaciones staccato. Quien quiera comprobar lo que acaba de leer no tiene más que escuchar la banda sonora de alguna de las películas antes mencionadas.
En definitiva, las librerías de sonido son un recurso barato (algunas ascienden a más de mil euros, pero sigue siendo menos que contratar a una orquesta) y permiten innumerables cambios y ajustes en la sincronía. Pero el efecto aún no es 100% realista y si se dispone de presupuesto la opción de contratar músicos auténticos sigue siendo la mejor opción...
...siempre y cuando el objetivo sea la calidad artística.
El siguiente paso fue el mapeo en dos dimensiones, en el que no sólo se sampleaban las distintas alturas sino que se tomaban muestras distintas para cada matiz.
Poco a poco las librerías fueron abandonando el mundo del hardware y pasaron a funcionar exclusivamente por software, de manera que los instrumentos físicos pasaron a ser innecesarios. Hoy en día los músicos que utilizamos estos recursos disponemos de un teclado controlador MIDI que no tiene sonido propio, simplemente envía la información digital necesaria: note on, note off, velocity y a veces también valores de controladores como el bend, modulation y otros. El sonido es programable y automatizable en todos sus parámetros.
Es comprensible que cuanto mayor sea el número de muestras de una librería tanto mayor será su tamaño y más recursos consumirá durante su uso. La llegada de los sistemas operativos de 64bits así como el aumento de memoria RAM en los equipos modernos ha marcado el paso decisivo para el florecimiento de estas librerías.
Desde hace unos pocos años, desarrolladores como Eastwest, Native Instruments, Vir2, Cinesamples y otros están creando librerías especializadas en instrumentos concretos, de manera que se pueden encontrar por separado cuerdas, metales, maderas, percusión y coros, o incluso instrumentos solistas. El gran avance radica en la programación especial que algunas librerías tienen: pueden escogerse sobre la marcha las distintas articulaciones y recursos instrumentales y, lo que es más importante, el legato está cada vez más conseguido. Han pasado a ser auténticos instrumentos virtuales.
Como muestra de todo lo dicho, he recreado el inicio de "Así habló Zarathustra" de Richard Strauss. En muchos aspectos es mejorable pero sirve de ejemplo.
En realidad, esta entrada no pretende ensalzar las bondades de las nuevas tecnologías, que por supuesto las tiene, sino plantear un dilema moral, estético y artístico: ¿qué sentido tiene sustituir algo real por algo artificial?
Cada vez son más las películas cuya música está íntegramente hecha por ordenador y los músicos de sesión le están viendo las orejas al lobo incluso en Hollywood. Hans Zimmer, por ejemplo, es uno de los compositores que más ha recurrido al ordenador en películas como Gladiator (2000), Piratas del Caribe (2003), Batman Begins (2005) y Origen (2010). Cualquiera que tenga el oído educado en la música sinfónica puede darse cuenta del efecto artificial que poseen. Sin embargo, hay multitud de trucos para maquillar estos defectos. El primero es el de recurrir a músicos reales cuando se trata de voces o instrumentos solistas. El segundo, y con diferencia el más grave, es utilizar las librerías de manera que la música compuesta explote sus mejores recursos; esto supone que la música se ve condicionada por la tecnología cuando, por ejemplo, se hace un abusivo uso de las articulaciones staccato. Quien quiera comprobar lo que acaba de leer no tiene más que escuchar la banda sonora de alguna de las películas antes mencionadas.
En definitiva, las librerías de sonido son un recurso barato (algunas ascienden a más de mil euros, pero sigue siendo menos que contratar a una orquesta) y permiten innumerables cambios y ajustes en la sincronía. Pero el efecto aún no es 100% realista y si se dispone de presupuesto la opción de contratar músicos auténticos sigue siendo la mejor opción...
...siempre y cuando el objetivo sea la calidad artística.
sábado, 1 de diciembre de 2012
Participación en el seminario de Música y Ciencia de la UAM
Los días 14, 15 y 16 de marzo de 2011 se celebró el seminario “Estética y pensamiento musical: Diálogos entre música y ciencia” en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Madrid. Con motivo de mis estudios predoctorales tuve la oportunidad de participar en una de las jornadas con una breve comunicación titulada "Consonancia y Disonancia: fundamentos fisiológicos del placer y el desagrado armónicos". Ya que, por motivos diversos, las comunicaciones no llegaron a publicarse he creído apropiado resumirla en este blog, por si alguien la considera de utilidad.
El procesamiento que el ser humano realiza de las alturas del sonido se localiza en el oído interno. En concreto, la membrana basilar, situada en el interior de la cóclea, es la encargada de reconocer las frecuencias de los sonidos por la posición en la que éstos resuenan en su superficie.
Cada par de sonidos, por tanto, tendrá un sonido diferencial propio como resultado de la diferencia de sus frecuencias. De esta manera, cuanta más distancia en Hz haya entre ellos más agudo será el diferencial. La siguiente tabla ilustra el sonido diferencial que resulta de cada intervalo musical.
Como puede apreciarse, conforme se separan los sonidos del intervalo, el diferencial (representado en el pentagrama inferior) asciende hasta alcanzar la misma frecuencia que el sonido grave del intervalo, como es el caso de la octava justa.
La antes mencionada fluctuación de la intensidad sonora puede llegar a resultar físicamente desagradable en tanto que perturba un órgano que comparten los sentidos del oído y el equilibrio y es por ello un elemento que puede desestabilizar el conjunto. Los sonidos diferenciales confieren al conjunto una cualidad más estable o "dulce", o más inestable o "áspera" en función del complejo sonoro que produzca; es decir, los diferenciales que enturbian el complejo sonoro serán tratados como disonantes, mientras que los que no lo hacen se podrán considerar disonantes. En este sentido encontramos cuatro categorías ordenadas por orden creciente de aspereza:
1. El diferencial coincide o es la octavación de uno de los que conforman el intervalo (como por ejemplo la quinta justa).
2. El diferencial no coincide con ninguno de los dos sonidos del intervalo pero completa la tríada mayor (por ejemplo la tercera menor).
3. El diferencial no coincide con ninguno de los sonidos del intervalo pero forma una cuatríada de tipo "séptima de dominante" (tríada mayor con séptima menor, como en el caso de la quinta aumentada).
4. Finalmente, algunos diferenciales no contribuyen a completar un complejo triádico ni cuatriádico (como la séptima mayor).
Parece que los diferenciales que aportan más estabilidad son los que se asemejan más a la serie armónica de uno de los sonidos del intervalo, mientras que los más desestabilizadores no cumplen proporción alguna con ellos. Tartini y otros compositores del barroco ya eran conocedores de este fenómeno y lo utilizaban en sus obras. Los violinistas, por ejemplo, se guían por la presencia de diferenciales para afinar ciertos intervalos como las terceras. La siguiente tabla muestra los intervalos según el grupo al que pertenezcan.
Resulta curioso encontrar la tercera mayor y su inversa en la misma categoría que los intervalos justos, y que el tritono no deba ser considerado un intervalo disonante. Fue la llegada del temperamento igual a los instrumentos de tecla lo que desvirtuó los intervalos de tercera y quinta y les dio un lugar diferente dentro de la teoría musical y la armonía tonal clásica.
En conclusión podemos decir que la consonancia y la disonancia tienen una relación directa con el placer o el displacer que producen, si bien la tolerancia a la disonancia se puede educar. Por tanto podemos hablar de una base fisiológica real al fenómeno de consonancia y disonancia, derrumbando el argumento de que es algo cultural. La asimilación de la disonancia resulta fisiológicamente más difícil que la asimilación de la consonancia, por eso ésta última supondrá una experiencia más placentera, que no necesariamente más bella.
La observación del comportamiento de los sonidos diferenciales se ha llevado a cabo en el ámbito de la afinación justa y únicamente sobre conjuntos de dos ondas senoidales obtenidas por síntesis informática. El comportamiento de conjuntos de tres o más sonidos complejos es, obviamente, más complejo.
Bibliografía
SELA, Bárbara: Afinación de intervalos puros. En: http://www.arrakis.es/~barsean/afinacion.htm (consultado 02-12-2012)
RÉVÉSZ,
Geza: Introduction to the Psychology
of Music.
Mineola: Dover, 2001
Consonancia y Disonancia:
fundamentos fisiológicos del placer y el desagrado armónicos
El procesamiento que el ser humano realiza de las alturas del sonido se localiza en el oído interno. En concreto, la membrana basilar, situada en el interior de la cóclea, es la encargada de reconocer las frecuencias de los sonidos por la posición en la que éstos resuenan en su superficie.
Sin embargo, la audición no es un proceso sencillo, en parte por la existencia de los llamados "fenómenos no lineales". De entre todos ellos, el que nos interesa es el de la perturbación que dos o más sonidos simultáneos producen sobre la membrana basilar; se trata de los "sonidos diferenciales" y son el resultado de restar la frecuencia de los dos sonidos armónicos. La perturbación de la que hablamos no es ni más ni menos que una fluctuación periódica en la intensidad sonora.
Cada par de sonidos, por tanto, tendrá un sonido diferencial propio como resultado de la diferencia de sus frecuencias. De esta manera, cuanta más distancia en Hz haya entre ellos más agudo será el diferencial. La siguiente tabla ilustra el sonido diferencial que resulta de cada intervalo musical.
Como puede apreciarse, conforme se separan los sonidos del intervalo, el diferencial (representado en el pentagrama inferior) asciende hasta alcanzar la misma frecuencia que el sonido grave del intervalo, como es el caso de la octava justa.
La antes mencionada fluctuación de la intensidad sonora puede llegar a resultar físicamente desagradable en tanto que perturba un órgano que comparten los sentidos del oído y el equilibrio y es por ello un elemento que puede desestabilizar el conjunto. Los sonidos diferenciales confieren al conjunto una cualidad más estable o "dulce", o más inestable o "áspera" en función del complejo sonoro que produzca; es decir, los diferenciales que enturbian el complejo sonoro serán tratados como disonantes, mientras que los que no lo hacen se podrán considerar disonantes. En este sentido encontramos cuatro categorías ordenadas por orden creciente de aspereza:
1. El diferencial coincide o es la octavación de uno de los que conforman el intervalo (como por ejemplo la quinta justa).
2. El diferencial no coincide con ninguno de los dos sonidos del intervalo pero completa la tríada mayor (por ejemplo la tercera menor).
3. El diferencial no coincide con ninguno de los sonidos del intervalo pero forma una cuatríada de tipo "séptima de dominante" (tríada mayor con séptima menor, como en el caso de la quinta aumentada).
4. Finalmente, algunos diferenciales no contribuyen a completar un complejo triádico ni cuatriádico (como la séptima mayor).
Parece que los diferenciales que aportan más estabilidad son los que se asemejan más a la serie armónica de uno de los sonidos del intervalo, mientras que los más desestabilizadores no cumplen proporción alguna con ellos. Tartini y otros compositores del barroco ya eran conocedores de este fenómeno y lo utilizaban en sus obras. Los violinistas, por ejemplo, se guían por la presencia de diferenciales para afinar ciertos intervalos como las terceras. La siguiente tabla muestra los intervalos según el grupo al que pertenezcan.
Resulta curioso encontrar la tercera mayor y su inversa en la misma categoría que los intervalos justos, y que el tritono no deba ser considerado un intervalo disonante. Fue la llegada del temperamento igual a los instrumentos de tecla lo que desvirtuó los intervalos de tercera y quinta y les dio un lugar diferente dentro de la teoría musical y la armonía tonal clásica.
En conclusión podemos decir que la consonancia y la disonancia tienen una relación directa con el placer o el displacer que producen, si bien la tolerancia a la disonancia se puede educar. Por tanto podemos hablar de una base fisiológica real al fenómeno de consonancia y disonancia, derrumbando el argumento de que es algo cultural. La asimilación de la disonancia resulta fisiológicamente más difícil que la asimilación de la consonancia, por eso ésta última supondrá una experiencia más placentera, que no necesariamente más bella.
La observación del comportamiento de los sonidos diferenciales se ha llevado a cabo en el ámbito de la afinación justa y únicamente sobre conjuntos de dos ondas senoidales obtenidas por síntesis informática. El comportamiento de conjuntos de tres o más sonidos complejos es, obviamente, más complejo.
Bibliografía
FERNÁNDEZ-HERRERO, Olaya – LORENTE, Miguel:
“Comprobación experimental de la teoría de la consonancia y la disonancia
musical”. En: Revista de Acústica, Vol. 37, nº 1-2, pp. 5-10
MIYARA, Federico: Introducción a la Psicoacústica. En: http://www.analfatecnicos.net/archivos/04.IntroduccionPsicoacusticaFedericoMiyara.pdf (consultado 02-12-2012)
PÉREZ CANO, Miguel – GARCÍA MARTÍN, Javier: La
audición humana.
En: http://www.lpi.tel.uva.es/~nacho/docencia/ing_ond_1/trabajos_04_05/io1/public_html/ (consultado
10-04-2011)
SELA, Bárbara: Afinación de intervalos puros. En: http://www.arrakis.es/~barsean/afinacion.htm (consultado 02-12-2012)
jueves, 25 de octubre de 2012
Los arreglos para Camerata Musicalis
En las navidades de 2008 recibí el primer encargo de Camerata Musicalis; se trataba de orquestar un villancico para el concierto especial que la orquesta daba en Madrid. Ya que un solo villancico iba a ser algo demasiado corto o demasiado repetitivo decidí hacer una suite de villancicos que resolví en titular "We wish you a noche de paz" o "Suite Navideña".
La suite se compone de tres célebres villancicos expuestos sin solución de continuidad que alcanzan el clímax orquestal en el segundo de ellos, "Noche de Paz". El tercero, "We wish you a merry Christmas", en 3/8 cierra la suite como si de una forma sonata se tratase, funcionando el primero, "Hark! The Herald Angels Sing" de Mendelssohn, a modo de introducción lenta.
Unos meses más tarde, dado el éxito de la Suite Navideña, la orquesta decidió encargarme un segundo arreglo. En esta ocasión se trataba simplemente de orquestar una de las danzas de Turina, "Sacromonte"
El último arreglo hasta la fecha lo realicé con motivo del cumpleaños de una persona muy querida por la orquesta y quisimos darle una sorpresa en el concierto de aquel día. Aprovechando que la orquesta tocaba ese programa la "Sinfonía nº40" de Mozart se me ocurrió que, para el bis, se podría sustituir el trío del tercer movimiento por una orquestación al estilo de Mozart del "cumpleaños feliz", ya que el movimiento estaba en sol menor y compás de 3/4. El resultado fue muy sorprendente, ya que el público no esperaba oir el "cumpleaños feliz" entre las dos partes del minueto de Mozart, y menos aún sometido a los procesos armónicos y contrapuntísticos del trío original.
La suite se compone de tres célebres villancicos expuestos sin solución de continuidad que alcanzan el clímax orquestal en el segundo de ellos, "Noche de Paz". El tercero, "We wish you a merry Christmas", en 3/8 cierra la suite como si de una forma sonata se tratase, funcionando el primero, "Hark! The Herald Angels Sing" de Mendelssohn, a modo de introducción lenta.
Unos meses más tarde, dado el éxito de la Suite Navideña, la orquesta decidió encargarme un segundo arreglo. En esta ocasión se trataba simplemente de orquestar una de las danzas de Turina, "Sacromonte"
El último arreglo hasta la fecha lo realicé con motivo del cumpleaños de una persona muy querida por la orquesta y quisimos darle una sorpresa en el concierto de aquel día. Aprovechando que la orquesta tocaba ese programa la "Sinfonía nº40" de Mozart se me ocurrió que, para el bis, se podría sustituir el trío del tercer movimiento por una orquestación al estilo de Mozart del "cumpleaños feliz", ya que el movimiento estaba en sol menor y compás de 3/4. El resultado fue muy sorprendente, ya que el público no esperaba oir el "cumpleaños feliz" entre las dos partes del minueto de Mozart, y menos aún sometido a los procesos armónicos y contrapuntísticos del trío original.
lunes, 22 de octubre de 2012
El corto "Pasaba por aquí"
El último corto que presento es cronológicamente el primero de los tres. La directora y guionista Ana Puentes contó conmigo en 2011 para hacer la banda sonora de esta sencilla historia en la que la música no debía complicar las cosas.
Escogí el piano como instrumentó cliché para estas situaciones sentimentales y opté por no recargarlo más; apenas sale un fondo de cuerdas en los créditos finales. La música trata de pasar desapercibida mientras le da un significado añadido a la imagen en contadas ocasiones. Fue para mí un ejercicio de austeridad sonora.
Escogí el piano como instrumentó cliché para estas situaciones sentimentales y opté por no recargarlo más; apenas sale un fondo de cuerdas en los créditos finales. La música trata de pasar desapercibida mientras le da un significado añadido a la imagen en contadas ocasiones. Fue para mí un ejercicio de austeridad sonora.
domingo, 21 de octubre de 2012
Música para los cortos de Julio de la Fuente
Aunque es del mismo pueblo que mi familia, no conocí a Julio de la Fuente hasta el año 2011 por mediación de Francisco Solís, uno de sus colaboradores de producción habituales. Julio buscaba músico para la banda sonora del cortometraje "El bus de las ocho y diez" y decidió encargármela a mí. El corto comenzó a circular por los festivales a finales de ese año, cuando fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Gijón.
Es un corto cómico que funciona muy bien gracias principalmente a los personajes secundarios. El entorno ayuda a crear una atmósfera hilarante que la música trata de subrayar y potenciar.
El corto "Caravana" forma unidad con "El Bus". Es también de carácter cómico y mantiene el mismo actor y el mismo personaje principales. El carácter de la música es pretendidamente similar puesto que la base cómica es en esencia la misma.
"Caravana" se estrenó en el Teatro Filarmónica de Oviedo en junio de 2011.
Es un corto cómico que funciona muy bien gracias principalmente a los personajes secundarios. El entorno ayuda a crear una atmósfera hilarante que la música trata de subrayar y potenciar.
El corto "Caravana" forma unidad con "El Bus". Es también de carácter cómico y mantiene el mismo actor y el mismo personaje principales. El carácter de la música es pretendidamente similar puesto que la base cómica es en esencia la misma.
"Caravana" se estrenó en el Teatro Filarmónica de Oviedo en junio de 2011.
La obra "Para T" y Teresa Reibelo
Una de mis amistades más antiguas es también la más prolífica en lo que a colaboraciones musicales se refiere. Mi gran amiga y también gran flautista Teresa Reibelo, que desarrolla su carrera musical desde hace más de una década en París, me encargó una pieza para flauta y piano que sería estrenada en un recital parisino el 24 de junio de 2007. Teresa ya había estrenado la segunda parte de la pieza, el "Tempo di Marcia", en un concierto anterior y estuvimos de acuerdo en que aquella pequeña obra se merecía algo más.
"Para T" está estructurada en dos partes bien diferenciadas, "Místico" en tempo adagio y carácter marcadamente lírico, y "Tempo di Marcia" (la pieza original) con un tempo más vivo y el ritmo como elemento predominante. Fueron influyentes durante su composición las obras de Messiaen y Prokofiev.
Aparte de aquello, Teresa y yo volvimos a vernos sobre el escenario en el concierto que la orquesta Camerata Rey Silo ofreció en el teatro Filarmónica de Oviedo en el año 2008. En aquella ocasión Teresa interpretó los conciertos para flauta y cuerdas "Il Giardellino" y "La Notte" de Vivaldi (ver entrada "La Camerata Rey Silo").
"Para T" está estructurada en dos partes bien diferenciadas, "Místico" en tempo adagio y carácter marcadamente lírico, y "Tempo di Marcia" (la pieza original) con un tempo más vivo y el ritmo como elemento predominante. Fueron influyentes durante su composición las obras de Messiaen y Prokofiev.
Aparte de aquello, Teresa y yo volvimos a vernos sobre el escenario en el concierto que la orquesta Camerata Rey Silo ofreció en el teatro Filarmónica de Oviedo en el año 2008. En aquella ocasión Teresa interpretó los conciertos para flauta y cuerdas "Il Giardellino" y "La Notte" de Vivaldi (ver entrada "La Camerata Rey Silo").
miércoles, 17 de octubre de 2012
El disco "La Noche"
A principios de 2009 hablé con mi gran amigo y gran flautista Roberto Álvarez sobre el proyecto de grabar un disco compuesto por obras de compositores españoles y singapureños. Roberto es piccolo solo y asistente de principal de la Singapore Symphony Orchestra y tiene un duo estable con la arpista Katryna Tan.
El único condicionante creativo que recibí de Roberto fue el de la temática: todas las obras debían tratar de una u otra manera de la noche, muy apropiado para un duo de flauta y arpa.
Tras varios meses de sequía creativa desistí del proyecto original, una obra en tres movimientos que consideraba hacía justicia a la calidad del encargo y de los músicos, y que suponía una dedicatoria a la altura de nuestra amistad. Ya que eso no pudo ser decidí usar una idea musical que me asaltó, precisamente, en plena noche. Así surgió "Motionless Vault".
El título ha suscitado innumerables elucubraciones; quizás su significado sólo lo entienda yo. Pero, en pocas palabras, trata de expresar la sensación confusa y misteriosa que, recuerdo, tenía cuando era niño al observar el firmamento. Esta "Motionless Vault", esta "Bóveda Inerte", se refiere al desconocimiento de lo que era aquello.
La obra es muy sencilla y, por tanto, necesariamente corta. Mi deseo era componer algo lo más bonito posible y sin pretensiones. Lo segundo lo conseguí, lo primero debe juzgarlo cada cual. El uso de una armonía modal nos traslada a la Francia de finales del Siglo XIX, evocando de alguna manera a Fauré o incluso Ravel, salvando las distancias.
El disco "La Noche" ha sido portada de la revista RITMO en el mes de marzo de 2012. A continuación adjunto el enlace a las páginas web de Roberto Álvarez y Katryna Tan, en la que se pueden escuchar otras obras del disco, y enlaces a las críticas, reseñas y tiendas online.
El único condicionante creativo que recibí de Roberto fue el de la temática: todas las obras debían tratar de una u otra manera de la noche, muy apropiado para un duo de flauta y arpa.
El título ha suscitado innumerables elucubraciones; quizás su significado sólo lo entienda yo. Pero, en pocas palabras, trata de expresar la sensación confusa y misteriosa que, recuerdo, tenía cuando era niño al observar el firmamento. Esta "Motionless Vault", esta "Bóveda Inerte", se refiere al desconocimiento de lo que era aquello.
La obra es muy sencilla y, por tanto, necesariamente corta. Mi deseo era componer algo lo más bonito posible y sin pretensiones. Lo segundo lo conseguí, lo primero debe juzgarlo cada cual. El uso de una armonía modal nos traslada a la Francia de finales del Siglo XIX, evocando de alguna manera a Fauré o incluso Ravel, salvando las distancias.
El disco "La Noche" ha sido portada de la revista RITMO en el mes de marzo de 2012. A continuación adjunto el enlace a las páginas web de Roberto Álvarez y Katryna Tan, en la que se pueden escuchar otras obras del disco, y enlaces a las críticas, reseñas y tiendas online.
"Entropía Sinfónica"
La obra "Entropía Sinfónica" fue compuesta en la primavera de 2010 para la orquesta Camerata Musicalis de Madrid. En ella experimento con recursos compositivos más contemporáneos, y pueden advertirse influencias directas de Bartok, Lutoslawski y Rautavaara.
Su peculiar orquestación (orquesta clásica sin fagotes) se debe a que en ese mismo programa se interpretaba un concierto para dos fagotes que tenía ocupados a estos dos músicos e impidió que participaran en la obra.
El término "entropía" lo cogí prestado de la termodinámica. Con él quería expresar en una sola palabra el deseo de jugar con el grado de desorden sonoro, el cual se incrementa hasta alcanzar un claro punto culminante hacia el final de la obra. Por supuesto, este desorden alude a los planos melódico, armónico y rítmico principalmente, partiendo de una textura al unísono en la que se expone el material principal en valores largos. Este material va sufriendo una serie de procesos de desarrollo rítmico y contrapuntístico hasta llegar al desorden absoluto, una sección que simula un cluster móvil por medio de cajas de aleatoriedad controlada.
El "coral" que surge en las maderas sobre un colchón de armónicos de violín, claro contraste con el tema principal, no acaba de comportarse de una manera completamente tonal, frustrándose cada una de las cadencias por la aparición de acordes formados por cuartas superpuestas, los cuales serán la norma a lo largo de toda la obra.
El estreno tuvo lugar en el Teatro Buero Vallejo de Alcorcón el día 5 de junio de 2010. Edgar martín se encargó de la dirección y yo me senté en el puesto del concertino, como llevo haciendo desde 2009. La obra tuvo una buena acogida por parte del público y sobre todo por la orquesta, que se volcó con ella.
No puedo dejar de agradecer a Camerata Musicalis y a Edgar el gran trabajo que hicieron con mi "Entropía Sinfónica".
Su peculiar orquestación (orquesta clásica sin fagotes) se debe a que en ese mismo programa se interpretaba un concierto para dos fagotes que tenía ocupados a estos dos músicos e impidió que participaran en la obra.
El término "entropía" lo cogí prestado de la termodinámica. Con él quería expresar en una sola palabra el deseo de jugar con el grado de desorden sonoro, el cual se incrementa hasta alcanzar un claro punto culminante hacia el final de la obra. Por supuesto, este desorden alude a los planos melódico, armónico y rítmico principalmente, partiendo de una textura al unísono en la que se expone el material principal en valores largos. Este material va sufriendo una serie de procesos de desarrollo rítmico y contrapuntístico hasta llegar al desorden absoluto, una sección que simula un cluster móvil por medio de cajas de aleatoriedad controlada.
El "coral" que surge en las maderas sobre un colchón de armónicos de violín, claro contraste con el tema principal, no acaba de comportarse de una manera completamente tonal, frustrándose cada una de las cadencias por la aparición de acordes formados por cuartas superpuestas, los cuales serán la norma a lo largo de toda la obra.
El estreno tuvo lugar en el Teatro Buero Vallejo de Alcorcón el día 5 de junio de 2010. Edgar martín se encargó de la dirección y yo me senté en el puesto del concertino, como llevo haciendo desde 2009. La obra tuvo una buena acogida por parte del público y sobre todo por la orquesta, que se volcó con ella.
No puedo dejar de agradecer a Camerata Musicalis y a Edgar el gran trabajo que hicieron con mi "Entropía Sinfónica".
martes, 16 de octubre de 2012
El vídeo-arte y yo
Aparte de la música, mi otra gran pasión siempre ha sido el cine, quizás porque combina todo lo que atrae mi atención en el arte: lo visual, lo temporal y lo sonoro.
La obra "Visita Sonora a la Sagrada Familia" fue creada para la asignatura "Creación y Tendencias del Siglo XX" del Curso de Doctorado de la Universidad Autónoma de Madrid. Pensé que lo más apropiado era producir una obra como trabajo final.
Sin embargo, la idea de montar un vídeo-arte de la Sagrada Familia surgió de mi última visita a Barcelona, en 2010. La obra de Gaudí me impresionó profundamente, quizá porque no termina de adaptarse a las expectativas de lo que una catedral debe ser; es, en mi opinión, un espacio acondicionado para la mística, como lo es la Rothko Chapel de Houston. No pude resistirme a tomar fotografías y vídeos desde todos los ángulos de su interior, algunas de ellas tan fantasmagóricas como este plano nadir desde el centro exacto del crucero.
Debido a esta sinfonía de luz y geometría el vídeo-arte ha experimentado con el color y la mística que ello genera. En este caso, el plano sonoro se limita a acompañar, adoptando una función narrativa sólo al final.
La obra "Visita Sonora a la Sagrada Familia" fue creada para la asignatura "Creación y Tendencias del Siglo XX" del Curso de Doctorado de la Universidad Autónoma de Madrid. Pensé que lo más apropiado era producir una obra como trabajo final.
Sin embargo, la idea de montar un vídeo-arte de la Sagrada Familia surgió de mi última visita a Barcelona, en 2010. La obra de Gaudí me impresionó profundamente, quizá porque no termina de adaptarse a las expectativas de lo que una catedral debe ser; es, en mi opinión, un espacio acondicionado para la mística, como lo es la Rothko Chapel de Houston. No pude resistirme a tomar fotografías y vídeos desde todos los ángulos de su interior, algunas de ellas tan fantasmagóricas como este plano nadir desde el centro exacto del crucero.
Debido a esta sinfonía de luz y geometría el vídeo-arte ha experimentado con el color y la mística que ello genera. En este caso, el plano sonoro se limita a acompañar, adoptando una función narrativa sólo al final.
miércoles, 10 de octubre de 2012
La Camerata Rey Silo
En el año 2006 formé con mis compañeros de estudios y otros profesionales afincados en Asturias una pequeña orquesta de cuerda. Su nombre, Camerata Rey Silo, se debe al Rey Astur Silo, quien trasladó la corte a Pravia. A todos nos pareció un nombre suficientemente arraigado a la cultura de nuestra región.
Ese mismo año dimos nuestro primer concierto en la iglesia de San Isidoro, en la plaza del Ayuntamiento de Oviedo. Su párroco Don José Luis, gran amante de la música, nos dio todo tipo de facilidades. Para este concierto pude contar con todos mis compañeros y amigos, grandes profesionales y grandes músicos; el resultado fue excelente, más teniendo en cuenta que el programa se montó en un fin de semana.
En aquél concierto interpretamos las siguientes obras:
- H.Purcell: Obertura de la ópera Dido y Eneas
- J.S.Bach: Concierto de Brandeburgo nº3, para cuerdas
- C.Gesualdo: O vos omnes (orquestada por Miguel Prida)
- B.Britten: Sinfonía Simple
- J.Ph.Rameau: Sarabanda de la suite Zoroastro (fuera de programa)
La orquesta tuvo una gran acogida, aunque el hecho de que yo, su director, viviera en Madrid en ese momento hizo muy difícil que consiguiéramos una actividad continua y regular.
Dos años después, en 2008, dimos nuestro último concierto hasta la fecha. Esta vez fuimos invitados por la Sociedad Filarmónica de Oviedo para dar un concierto en su sede, el teatro Filarmónica, dentro del ciclo de conciertos de ese año.
En aquella ocasión interpretamos estas obras:
- S.Barber: Adagio para cuerda
- A.Vivaldi: Concierto para flauta y cuerdas "Il Giardellino"
- A.Vivaldi: Concierto para flauta y cuerdas "La Notte"
- A.Gaos: Impresión Nocturna, para cuerda
- A.Dvorak: Serenata para cuerdas
- C.Debussy: La muchacha de los cabellos de lino (orquestada por Miguel Prida)
La plantilla de la Camerata creció considerablemente, pudiendo contar con unos cuantos miembros originales y con músicos emergentes de la región; unos veinte en total.
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